lunes, 21 de noviembre de 2011
lunes, 7 de noviembre de 2011
buenos amigos
unas fotos (ojo, no son mías) de algunos perritos de la calle, grandes amigos que una vez tuvieron un hogar y ahora nadie mira por ellos. :(
proyecto documental
hello, bueno les voy a platicar un poquito de lo que va a tratar mi proyecto, como todos saben pues soy amante de los animales, creo que desde el primer día que los conocí se los platique jajaja, entonces por lo tanto el tema que quiero abordar es acerca de estos magníficos seres.
Estoy tomando como referencia a un fotógrafo que trabaja para la revista National Geographic, se llama Joel Startore, el como yo desde joven se ha interesado por la naturaleza pero se ha enfocado mas en los animales, sobre todo en los que se encuentran en peligro de extinción, quizá yo no me pueda ir al amazonas a fotografiar a estos seres vivos tan increíbles, pero si puedo comenzar haciendo algo por los animales que viven muy cerca de nosotros y necesitan que alguien hable por ellos.
Me gustaría poner mi granito de arena, y quizá poder crear en la gente un poco mas conciencia y ayudar a estos animales que mas que animales son nuestros compañeros, ya que con ellos compartimos este mundo y convivimos día a día. Por otro lado la fotografía de Startore me gusta porque es muy limpia y artistica. Los mantendré informados acerca de como voy con este proyecto. Saludos!!!
domingo, 6 de noviembre de 2011
MANUEL ALVAREZ BRAVO
Es un fotógrafo autodidacta cuyos trabajos destacan por la belleza y la sencillez característica de la fotografía en blanco y negro, al tiempo que transportan al espectador al mundo de lo simbólico. Comenzó su carrera en los años veinte. En 1925 ganó el primer premio en una competición fotográfica en Oaxaca. Dos años más tarde regresó a su ciudad natal y donde conocería a Tina Modotti, quien le introdujo en el ambiente intelectual y cultural de capital mexicana. La fuerza, la clase y el extraño son el principal atractivo de sus fotos.
Ha recibido todos los premios y reconocimientos a los que un artista puede aspirar: la beca Guggenheim, el Sourasky Art Price por la Secretaría de Educación Pública, el título de Maestro de Fotografía por el International Center of Photography de Nueva York, el premio Hugo Erfurth Internacional Photography por parte del gobierno de Leverkusen (Alemania), el Premio Peer por parte de Friends of Photography de San Francisco, el Premio Nacional de Arte (México); además, fue nombrado miembro honorario de la Academia de Artes de México y Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres por el gobierno francés.
La obra de Álvarez Bravo ha sido exhibida en más de 40 exposiciones, tanto individuales como colectivas, y se encuentra en las colecciones de los más importantes museos, como el George Eastman House, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el Pasadena Art Museum. Murió en 2002.
Manuel Álvarez Bravo ha sido una influencia definitiva sobre la fotografía mexicana y latinoamericana. Su rechazo del pintoresquismo fácil, su ironía insistentemente ambigua, y su rescate de la gente común y su subsistencia cotidiana ha marcado un camino de altas exigencias para los fotógrafos de América Latina.
FOTOGRAFOS DESTACADOS
EL RETRATISTA DE LO HORRIBLE
JOEL PETER WITKINS
nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York
Es un fotógrafo que en sus inicios fue corresponsal de guerra en Vietman, su cercanía con la muerte empezó a desarrollar una inquietud muy peculiar: usar cadáveres como modelos de sus creaciones. Así Witkin usó los cuerpos de la morgue y comenzó a representar obras clásicas del arte o pasajes blíblicos en un ambiente lúgubre y sinceramente impactante. Alguna vez contó que a temprana edad vió un accidente automovilístico donde una niña resultó decapitada y eso lo marcó de por vida.
¿Por qué es polémico?
Digamos que sus materiales no son muy agradables para los más sensibles, pues no sólo los cadáveres funjen como modelos, sino pedazos de ellos: en sus obras puedes ver lo mismo un brazo, una pierna que un decapitado o a un hombre con surcidos de una recién practicada necropsia. Otros personajes recurrentes en su trabajo son enanos, hermafroditas y seres deformes. Sin duda su arte es grotesco y asombroso a la vez.
JOEL PETER WITKINS
nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York
Es un fotógrafo que en sus inicios fue corresponsal de guerra en Vietman, su cercanía con la muerte empezó a desarrollar una inquietud muy peculiar: usar cadáveres como modelos de sus creaciones. Así Witkin usó los cuerpos de la morgue y comenzó a representar obras clásicas del arte o pasajes blíblicos en un ambiente lúgubre y sinceramente impactante. Alguna vez contó que a temprana edad vió un accidente automovilístico donde una niña resultó decapitada y eso lo marcó de por vida.
¿Por qué es polémico?
Digamos que sus materiales no son muy agradables para los más sensibles, pues no sólo los cadáveres funjen como modelos, sino pedazos de ellos: en sus obras puedes ver lo mismo un brazo, una pierna que un decapitado o a un hombre con surcidos de una recién practicada necropsia. Otros personajes recurrentes en su trabajo son enanos, hermafroditas y seres deformes. Sin duda su arte es grotesco y asombroso a la vez.
EL BESO
ARTHUR TRESS:
Brooklyn NY 1940
colecciona sueños. Los atrapa a través de la fotografía. Sus placas capturan ese otro mundo y nos permiten observarlo, de manera ingenua pues probablemente los observados seamos nosotros y ellos sean los que nos han atrapado.
Tress trabaja fotografia en blanco y negro, como de color. Estudio en el Art college, y se caracteriza por cambiar dramáticamente de proyecto en proyecto.
RALPH EUGENE MEATYARD
" Para mi las fotografias no son repetitivas, son insistentes"
Nace en Illinois en el año de 1925. Su proyecto principal es el "árbol familiar de lucybell crater"
trabaja en 6x6 en Hassel Blan y trabaja la filosofía zen
RICHARD AVEDON
Nace en la ciudad de Nueva York en el año de 1923, ha sido fotógrafo de Harpers Bazar y de Vogue, viaja por todo Estados Unidos tomando fotos del movimiento anti-guerra. Su estilo de foto es purista.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros...
Night photography
Encontré un vídeo acerca de la fotografía nocturna, esta a cargo de dos fotógrafos estadounidenses llamados Scott Martin y Lance Keimig, ellos nos explican en el vídeo lo bello que es trabajar la fotografía nocturna, el como no cerrarnos a solo fotografiar con luz, y buscar lo extraordinario donde nadie lo ve, véanlo les va a encantar.
RETRATO
Cualidades del sujeto para retratar en foto.
LINEA, RITMO, FORMA Y TEXTURA
El ritmo es el mismo elemento repetido mas de 3 veces. Es el resultado de la repetición de lineas formas, volúmenes tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta la armonía de una escena. El ritmo permite ademas unir los diferentes elementos de la escena.
- algo importante en el retrato es que tienes que saber donde recortar una foto para que esta nos hable!!!
La textura es cuando se tienen altos y bajos relieves.
LAS LINEAS PROVOCAN MOVIMIENTO Y DIRECCIÓN DE LECTURA
Es importante que en el caso de la luz, el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, si no es asi aparecerá una cara plana, sin relieve, en este caso una luz natural puede ayudar...
reglas de composición
Componer es agrupar, ordenar todos los valores visuales (linea, punto, color, luz, formas, planos, ángulos, objetos, etc...) para obtener imágenes con sentido, según una idea guía, un estilo, para alcanzar un efecto estético informativo o narrativo determinado.
- Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
- La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.
Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.
En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.
- El color es el elemento que crea la mayor respuesta emocional. Algunos colores atraen más la atención que otros. Los colores primarios ( y en particular el rojo ) conducen inmediatamente la vista hacia la parte de la fotografía donde se encuentran presentes.
Estas propiedades de los colores nos son muy útiles en la fotografía de estudio, donde las podemos utilizar para atraer la atención hacia la direccón que deseemos de la fotografía.
- La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.
Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto.
Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la fotografía.
profundidad de campo y nitidez
- Cuando mas cerca esta la cámara del sujeto menor es la profundidad de campo.
- Para lograr que el sujeto se produzca con la mayor nitidez hay que fotografiarlo con un angulo tal que la mayoría de sus puntos sean equidistantes del objetivo.
- El obturador es un dispositivo mecánico que controla el tiempo durante el que la luz actúa sobre la película.
- tv: velocidad de tiempo.
Planos de la fotografía
Primer Plano
Es una vista desde la punta de la cabeza hasta más debajo de los hombros. Suele utilizarse en películas e historiaras para centrarse en lo que habla una persona en particular, aunque también se utiliza para más de una persona cuando estas personas se dirigen a alguien en especial o están observando el mismo punto.
Profundidad de campo
Este concepto está relacionado con la apertura de diafragma, por lo que una vez finalizada esta parte del curso deberás ser capaz de interpretar correctamente la relación entre apertura-cantidad de luz que entra en la cámara-profundidad de campo.
Vamos a partir de la base de que en una foto vamos a plasmar en dos dimensiones lo que nosotros vemos en tres dimensiones.
Podemos decir que la profundidad de campo es el espacio dentro de la imagen que sale enfocado o relativamente enfocado.
Veamos algunos ejemplos:
- Un retrato: en este tipo de fotografía nos interesa destacar la cara de la persona sobre el resto de la imagen, por ello la profundidad de campo va a ser pequeña ya que sólo la cara debe salir enfocada y el resto desenfocado.
- Paisaje: en este tipo de fotografía por lo general nos interesa que todo salga bien enfocado, por lo que la profundidad de campo será grande.
- Un retrato: en este tipo de fotografía nos interesa destacar la cara de la persona sobre el resto de la imagen, por ello la profundidad de campo va a ser pequeña ya que sólo la cara debe salir enfocada y el resto desenfocado.
- Paisaje: en este tipo de fotografía por lo general nos interesa que todo salga bien enfocado, por lo que la profundidad de campo será grande.
Conviene señalar, y es algo importante porque mucha gente tiende a interpretar mal este concepto, que la profundidad de campo no tiene como referencia el objeto que está situado en el primer plano, sino en aquel punto en el que estamos enfocando con la cámara.
La profundidad de campo va a depender no sólo de la apertura elegida en la cámara sino también de otros aspectos como son:
- Distancia focal: cuanto mayor sea la distancia focal elegida en el objetivo, la profundidad de campo será menor. Por ejemplo, con un angular la profundidad de campo suele ser mayor que con un teleobjetivo, para una misma apertura.
- Distancia de enfoque: Cuanto más lejos estemos del objeto que estamos enfocando, conseguiremos una mayor profundidad de campo.
- Distancia focal: cuanto mayor sea la distancia focal elegida en el objetivo, la profundidad de campo será menor. Por ejemplo, con un angular la profundidad de campo suele ser mayor que con un teleobjetivo, para una misma apertura.
- Distancia de enfoque: Cuanto más lejos estemos del objeto que estamos enfocando, conseguiremos una mayor profundidad de campo.
Bulbo
"Bulbo" es una distorsión (anglisismo) de la palabra inglesa "Bulb" que significa "pera" se le da este nombre, por que se usaba una "bomba" de aire para tomar las fotos en las cámaras antiguas, y esta "bomba" se asemejaba a las frutas llamadas peras.
Ahora las cámaras DSLR tienen este modo que mantiene el obturador abierto mientras lo presionas. Sirve para tomar fotos cuando hay poca luz o para crear efectos fotográficos.
Ahora las cámaras DSLR tienen este modo que mantiene el obturador abierto mientras lo presionas. Sirve para tomar fotos cuando hay poca luz o para crear efectos fotográficos.
Barrido y congelado:
La diferencia entre las dos fotografías que están abajo es la velocidad de obturación. La imagen de la derecha fue tomada con una velocidad de obturación mayor, “congelando” al sujeto en movimiento. Sí la velocidad de obturación fuera más lenta, registraría el movimiento y “barrería” la acción. Cambiando la velocidad de obturación, puedes controlar que tan barrido o que tan congelado deseas capturar el momento.
domingo, 25 de septiembre de 2011
como crear un fotograma sin camara
te dejo un video breve donde pueden ver una manera sencilla de crear un fotograma sin el uso de una camara..
tomado de la pagina http://juegos-y-hobbies.practicopedia.com/
Espero te guste y sea util...
http://juegos-y-hobbies.practicopedia.com/fotografia/como-crear-un-fotograma-sin-camara-13248
tomado de la pagina http://juegos-y-hobbies.practicopedia.com/
Espero te guste y sea util...
http://juegos-y-hobbies.practicopedia.com/fotografia/como-crear-un-fotograma-sin-camara-13248
martes, 6 de septiembre de 2011
Un poco de historia de la foto, practicamente un vistazo al pasado...
La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto igual a; (luz) y grafos de escritura.
Por lo cual se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la capturación de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen, sería permanente después de haberla secado en la oscuridad.
De la Roche no se imaginaba siquiera, que la narración de su cuento imaginario podría llegar a ser verídico varios años después.
La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.
La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.
Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.
La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).
En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.
Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como; Canaletto y Durero que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva
El material FotosensibleEl primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1727, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.
El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).
Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda, A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.
Daguerre y el daguerrotipo
A finales de 1829 Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Niépce en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa.
Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.
El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada.
Daguerre al contrario de Niépce aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.
El Daguerrotipo tuvo muy una buena acogida y pronto empezó a difundirse por Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además se empezaron a vender cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos).
La primera revista fotográfica del mundo fue fundada en Nueva York en 1850 ( The Daguerreian Journal)
Calotipo, fotografía sobre papel
El desarrollo de la imagen sobre papel empezó en 1937 con pequeñas ideas por Bayard y Talbot.
William Henry Fox Talbot, puso a punto un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar papel negativo, en el cual se podía reproducir un número ilimitado de copias, partiendo de un único negativo.
En enero de 1839 Faraday presentó unas imágenes obtenidas, por Talbot, por simple exposición al sol de objetos aplicados sobre un papel sensibilizado. Talbot tras el conocimiento del hiposulfito a través de Herschel, obtuvo imágenes negativas.
Talbot descubrió que el papel cubierto con yoduro de plata, era más sensible a la luz, si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico. Disolución que podía ser utilizada para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el proceso de revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, hacerla permanente. A este método Talbot se le denominó calotipo, requería unas exposiciones de 30 segundos para conseguir la imagen en el negativo.
Talbot llegó a conseguir, con cámaras muy reducidas con objetivos de gran diámetro, imágenes muy perfectas pero extremadamente pequeñas. A finales de 1840 enseñaría su nueva modificación del proceso, el Calotipo. Con una segunda operación Talbot conseguía una imagen positiva. Este método hacía posible la obtención de cuantos positivos se quisieran de un solo negativo.
La cámara siguió evolucionando. En 1854 aparece a través de Petzval, el objetivo de gran angular que abarcaba 92 grados, y en 1860 por Harrison y Schnitzer adaptan a este un diafragma iris.
Tras la desaparición del daguerrotipo alrededor de los 50 el calotipo cede rápidamente su lugar al colodión. La posibilidad de la imagen instantánea en una época donde el retrato era la finalidad de la fotografía, hace que empiece a aparecer la imagen del fotógrafo callejero.
El colodión, conocido también como algodón-pólvora, es una clase de explosivo cuya base es la celulosa nítrica.
Frederick Scott Archer, puso unas planchas de cristal húmedas al utilizar colodión en lugar de albúmina como material de recubrimiento, para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos. Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano, para poder disponer de las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato.
Este gran descubrimiento, representaba un paso importante y decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado. Pero lo más relevante, fue su aplicación sobre diversos soportes además del vidrio, como el cuero, el papel, el fierro, otros plásticos y cerámicas.
Tras la dificultad que presentaba la manipulación en los exteriores del colodión, para perfeccionar un tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar inmediatamente después de su exposición, lleva a un nuevo estudio en investigación de la placa seca.
Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino de bromuro seca la placa.
Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.
En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones.
En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.
Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Kodak.
Eastman al crear la primera cámara fotográfica, fundó también en (1854-1932) la casa Kodak.
Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.
Por lo cual se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la capturación de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen, sería permanente después de haberla secado en la oscuridad.
De la Roche no se imaginaba siquiera, que la narración de su cuento imaginario podría llegar a ser verídico varios años después.
La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.
La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.
Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.
La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).
En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.
Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como; Canaletto y Durero que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva
El material FotosensibleEl primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1727, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.
El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).
Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda, A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.
Daguerre y el daguerrotipo
A finales de 1829 Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Niépce en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa.
Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.
El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada.
Daguerre al contrario de Niépce aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.
El Daguerrotipo tuvo muy una buena acogida y pronto empezó a difundirse por Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además se empezaron a vender cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos).
La primera revista fotográfica del mundo fue fundada en Nueva York en 1850 ( The Daguerreian Journal)
Calotipo, fotografía sobre papel
El desarrollo de la imagen sobre papel empezó en 1937 con pequeñas ideas por Bayard y Talbot.
William Henry Fox Talbot, puso a punto un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar papel negativo, en el cual se podía reproducir un número ilimitado de copias, partiendo de un único negativo.
En enero de 1839 Faraday presentó unas imágenes obtenidas, por Talbot, por simple exposición al sol de objetos aplicados sobre un papel sensibilizado. Talbot tras el conocimiento del hiposulfito a través de Herschel, obtuvo imágenes negativas.
Talbot descubrió que el papel cubierto con yoduro de plata, era más sensible a la luz, si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico. Disolución que podía ser utilizada para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el proceso de revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, hacerla permanente. A este método Talbot se le denominó calotipo, requería unas exposiciones de 30 segundos para conseguir la imagen en el negativo.
Talbot llegó a conseguir, con cámaras muy reducidas con objetivos de gran diámetro, imágenes muy perfectas pero extremadamente pequeñas. A finales de 1840 enseñaría su nueva modificación del proceso, el Calotipo. Con una segunda operación Talbot conseguía una imagen positiva. Este método hacía posible la obtención de cuantos positivos se quisieran de un solo negativo.
La cámara siguió evolucionando. En 1854 aparece a través de Petzval, el objetivo de gran angular que abarcaba 92 grados, y en 1860 por Harrison y Schnitzer adaptan a este un diafragma iris.
Tras la desaparición del daguerrotipo alrededor de los 50 el calotipo cede rápidamente su lugar al colodión. La posibilidad de la imagen instantánea en una época donde el retrato era la finalidad de la fotografía, hace que empiece a aparecer la imagen del fotógrafo callejero.
El colodión, conocido también como algodón-pólvora, es una clase de explosivo cuya base es la celulosa nítrica.
Frederick Scott Archer, puso unas planchas de cristal húmedas al utilizar colodión en lugar de albúmina como material de recubrimiento, para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos. Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano, para poder disponer de las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato.
Este gran descubrimiento, representaba un paso importante y decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado. Pero lo más relevante, fue su aplicación sobre diversos soportes además del vidrio, como el cuero, el papel, el fierro, otros plásticos y cerámicas.
Tras la dificultad que presentaba la manipulación en los exteriores del colodión, para perfeccionar un tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar inmediatamente después de su exposición, lleva a un nuevo estudio en investigación de la placa seca.
Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino de bromuro seca la placa.
Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.
En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones.
En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.
Eastman al crear la primera cámara fotográfica, fundó también en (1854-1932) la casa Kodak.
Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.
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